Как Шагал скучал по Витебску и что такое «Кошмар белого слона»

На открытии выставки графики «Шедевры мастеров Парижской школы» можно было увидеть работы около 30 всемирно известных художников ХХ века. Эта выставка открылась в Калининграде в декабре прошлого года и предоставила возможность познакомиться с бесценными произведениями Сальвадора Дали, Пабло Пикассо, Марка Шагала, Анри Матисса, Мориса Утрилло, Михаила Шемякина.

В залах Калининградской художественной галереи было размещено более 90 работ, которые ранее экспонировались в «Государственном Эрмитаже». Все представленные картины – из личного собрания известного российского коллекционера Марка Башмакова и петербургской галереи современного искусства PS Gallery.

Выставку открывал племянник Марка Башмакова – Павел. Коллекционер и сооснователь галереи PS Gallery, он провел первую экскурсию по экспозиции, подробно рассказал о своем дяде и о наиболее интересных работах.

Живой человек с экспозицией в «Эрмитаже»

Башмаков отметил, что город всегда был ему близок своей культурой и здесь у него много друзей. «Я думаю, неспроста выставка проходит именно здесь. Калининград даже территориально находится наиболее близко к Парижу среди всех городов Российской Федерации».

В шестидесятые годы Марк Башмаков был профессором Сорбонны и, как утверждает Павел, в этот период времени заразился искусством возрождающейся после войны Европы. Художники Парижской школы стали его любовью на всю жизнь. Позднее Башмаков-профессор стал академиком Российской академии образовательных наук и написал более 50 учебников по математике. Эти учебники издаются не только в России, но и в Европе. Такой успех как преподавателя дал ему возможность стать коллекционером, а позже и меценатом. В день своего 80-летия, 17 февраля 2017 года Марк Башмаков подарил российскому «Эрмитажу» двадцать книг мировых художников, представляющих разные направления и разные сферы творчества. И по сей день в Эрмитаже открыты залы с его коллекцией. Это единственный случай, когда человек при жизни имеет на постоянной основе экспозицию в государственном «Эрмитаже».

На выставку «Шедевры мастеров Парижской школы» меня пригласила подруга и, честно говоря, я не ожидала, что хоть что-нибудь запомню и что вообще там не усну. Потому что искусство в моей голове как-то не задерживается. Я не запоминаю стили, направления, путаюсь в именах художниках и их эпохах, не очень разбираюсь в картинах. Но Павел Башмаков, надо отдать должное, очень доступно и интересно рассказывал. Благодаря этому все как-то очень легко усвоилось и наиболее яркие моменты из его лекции я смогу передать вам.

Лечение алкоголизма живописью и великаны-тушеноши

Итак, Париж – город, который объединил художников самых разных национальностей, исповедовавших разные стили. В 1900-м году никому не известный Пабло Пикассо переехал в Париж и этот момент, как утверждают искусствоведы, считается началом первой Парижской школы. В то время в Париж, на Монмартр и на Монпарнас переезжают художники из России, Дании, Латинской Америки, Японии, отовсюду. И город становится главной музой этих художников.

Выставка «Шедевры мастеров Парижской школы» была поделена на шесть частей. Одна из них - «Мон Пари» («Мой Париж»). Этот раздел начинался шедеврами Мориса Утрилло. Утрилло, которого и в то время, и сегодня называют главным поэтом Парижа. Судьба этого человека весьма необычна. Он родился и никогда так и не узнал своего отца. Его мать, Сюзанна Валадон всю жизнь провела в богеме, она была натурщицей у таких великих мастеров, как Дега, Тулуз Латрек, Ренуар. Мальчик рос в аристократической богемной атмосфере, и эта атмосфера повлияла на него не только с точки зрения формирования как художника, но и пагубно. В 13 лет он уже был неизлечимо болен алкоголизмом и подвержен страшным запоям. Доктора посоветовали матери увезти его в деревню и «лечить живописью». Доктора, конечно, не предполагали, что благодаря этому родится великий художник. Хотя, здоровья Утрилло от этого не улучшилось: от алкоголизма он так и не вылечился. Когда Утрилло вернулся в Париж, то активно начал изображать улицы Монмартра и Монпарнаса. Эти работы сделали его известным мастером, которого очень любят во Франции и с именем которого ассоциируют 20 век Парижа.

Имя нашего соотечественника Михаила Шемякина, работы которого также представлены на выставке, связано не только с Россией, но и с Парижем. В 1971 году Шемякин после долгих лет мытарств и преследования, нахождения в психиатрических лечебницах, выдворяется из Советского союза и оказывается в Париже. Первые годы его жизни во Франции сопровождаются депрессией. Единственное, чем занимается в это время Шемякин – это гуляет по центру города со своим единственным верным другом – фотоаппаратом. Он фотографирует Париж и больше всего его прельщает район Ле-Аль, где находился знаменитый мясной рынок «Чрево Парижа». Этот рынок известен со средних веков, свои работы ему посвящали известные поэты, писатели, художники. Рынок был известен своими тушеношами - французскими гигантами, которые носили туши весом до 1,5 тонн. Так, Эмиль Золя в романе «Чрево Парижа» воскрешает жутковатые картинки рынка, друг Шемякина Владимир Высоцкий посвящает тушеношам свое стихотворение. А Михаил Шемякин – графический цикл «Чрево Парижа».

«Мне посчастливилось застать живым «Чрево Парижа». Зная, что оно подлежит уничтожению, я провел там год, выходя в двенадцать часов ночи и возвращаясь с него в восемь утра, запечатлевая его в фотографиях и рисунках. Таких фотографий при подсчете оказалось свыше 5000. Больше всего меня интересовали тушеноши. Эти люди-гиганты, с легкостью взваливающие на себя четырехсоткилограммовую тушу, эти парижские силачи — воплощение силы и какой-то чудовищной грации. Они единственные, которым доверялось нести тело усопшего короля до усыпальницы Сан-Дени, ныне место, которое хорошо известно любителям поглазеть или воспользоваться услугами проституток. В выставке «Чрево Парижа и фантомы Ле Аля» я постарался создать свой гимн труду тушенош и показать круговорот единства жизни и смерти, смех радости и оскал смерти».
(Очерк к выставке «Чрево Парижа и фантомы Ле Аля», А. Петряков «Зазеркалье Мастера», г. Москва, 2007г.)

Тоска Шагала по Витебску

Тема «Россия-Франция» включает в себя не только художников-выходцев с территории России, но и тех художников, которые работали с русскими текстами и для которых русские тексты становились вдохновением. Здесь представлены работы выдающегося мастера второй половины 20 века испанца Антони Клаве по произведению «Пиковая дама» А.С. Пушкина. 

Также можно увидеть серию графических работ Марка Шагала по гоголевским «Мертвым душам». В 20-е годы Марк Шагал жил в Германии. Дела у него шли плохо: в Германии была депрессия, не хватало денег. Однажды он получил письмо из Парижа от своего друга, в котором были такие слова: «тебя ждет Воллар, тебя ждет Париж». Амбруаз Воллар – известный французский торговец произведениями искусства и издатель, человек, который обладал деньгами и возможностью дать заказ. Конечно, Шагал не думая переехал в Париж и получил от Воллара заказ на серию иллюстраций к произведению Н.В. Гоголя «Мертвые души».

Искусствоведы утверждают, что эта серия – вершина творчества Шагала как графика. Марк Шагал очень тоскует по своему родному Витебску и поздние исследователи его творчества сходятся в одном – здесь изображен и город уездный N, и персонажи из «Мертвых душ», но в целом автор транслирует те воспоминания, которые навеяны его родиной. Сам Марк Шагал передал эти работы в «Третьяковскую галерею» еще в 1928 году. Но судьба их была неоднозначна. Книга «Мертвые души» вышла с иллюстрациями Шагала только в 1948 году. Дело в том, что Воллар имел такую особенность – придерживать работы, не издавая сразу. Шагал очень переживал по этому поводу, а потом случилась трагедия. Воллар погиб в автокатастрофе, началась Вторая мировая война и только уже другой издатель – Териат, выкупив у наследников Воллара работы, издал их в 1948 году.

Livre d’artiste – новый подход к иллюстрациям

Рассказывая о графике, Павел Башмаков подробно останавливается на направлении французского искусства, которое сочетало книжную форму с графической работой художника. Единственный автор, который работал в этом направлении в 19 веке - великий французский живописец Эжен Делакруа. В 1925-1927 годы он создает серию работ к только что изданному и переведенному на французский язык «Фаусту» Гете. Это был первый опыт работы художника, который иллюстрировал книгу, полностью отстранившись от текста. Сам Гете утверждал потом, что работы Делакруа необыкновенные, потому что что художник смог понять самого автора. Ни до, ни после, никто не создавал более ярких графических, да и живописных произведений на эту тему, нежели Делакруа. Серия впоследствии получила свое название – «Мефистофель». Хотя критики изначально восприняли эти работы Делакруа в штыки, говоря о том, что художник не имеет права уходить от слова, не имеет права трактовать слово писателя по-другому, он должен быть просто иллюстратором.

В 20 веке то, что начал Делакруа, переродилось в направление искусства под названием Livre d’artiste. Одним из ведущих представителей этого направления был Сальвадор Дали. 

Великий сюрреалист умел использовать графику не так, как это изначально делал Дюрер и другие средневековые начинатели этого дела, он дополнял исконные графические способы придуманными им лично методами. Например, специально для создания работ по произведению Фрейда «Моисей и монотеизм» в Италии по древним рецептам выделывали овечью кожу. Кожа сушилась на ветру не один год, и только после этого на нее наносилось изображение. 

Если всмотреться, то можно увидеть несколько слоев. Сначала в центре мы видим нечто вроде оттиснутого квадрата – Дали использовал традиционную гравюру на меди, которую в свое время изобрел Дюрер и довел до совершенства. Но, чтобы добиться полноцветности, сверху Дали использует еще до 50 литографских камней. Таким образом, в этой работе можно наблюдать симбиоз древнего искусства с теми новшествами, которые привнес великий мастер. Как график Дали, наверное, даже более плодовит нежели как живописец. Его графические работы представлены во всех ведущих музеях мира. И, конечно, в его знаменитом театре-музее в Фигейросе (Каталония).

Павел Башмаков рассказал о многогранности абстракционизма, которая очевидно преобладала в работах художников второй половины 20 века. Блок «Форма, линия, цвет». Наглядно демонстрирует, что Livre d’artiste – это только впечатление художника от слова. Ведь невозможно по такой работе понять, о чем, например, стихотворение. Художник преломляет прочитанное через себя и свои ощущения и получается произведение искусства. На выставке в этом разделе собраны очень интересные картины разнообразных художников, в том числе двух выходцев с территории Российской империи - Василия Кандинского и Сони Делоне-Терк. 

Если о судьбе Кандинского многие знают и о нем написано достаточно много, то Соня Делоне-Терк почти неизвестна. Она родилась в городке Градижск Полтавской губернии. Настоящее ее имя – Сара Штерн. Штерн уехала учиться в Германию, затем во Францию, вышла замуж за начинающего художника Робера Делоне и вместе с ним разработала новый стиль в живописи и в графике, который позднее получил название арфизм. Это очень яркий стиль, где используются яркие краски и они как бы закручены в спираль. Таким образом достигалась очень большая энергетическая направленность картины. В связи с этим Соня Делоне-Терк была очень востребована среди художников моды. Ив Сен-Лоран и Миссони использовали ткани по эскизам Сони Делоне.

Абстракция и символизм – философия в творчестве

Еще один раздел выставки «Шедевры мастеров Парижской школы» называется «Мир природы». В отдельном зале экспонируются наиболее яркие работы, которые, как рассказал Павел Башмаков, всегда больше всего притягивают зрителей. Например, «Птица» Жоржа Брака. Интересно, что работ с таким названием у Брака - более сотни. Во Франции Брак не менее известен, чем в России Иван Шишкин. Этот великий французский художник воспринимал символ птицы как некий философский символ невозможности познать свою судьбу. Любопытно, что с годами Брак изображал птицу все большего размера и она меняла цвет в его творчестве: ближе к смерти становилась практически черной.

Забавную историю рассказал Павел Башмаков о картине знаменитого каталонского художника Жоана Миро. Этот случай они с дядей наблюдали в «Эрмитаже». Бабушка вместе с мальчиком, очевидно, внуком, стояли и рассматривали картину Миро. Было заметно, что бабушка была крайне недовольна тем, что она видит, не понимая, что вообще такое изображено и в чем искусство. И вдруг мальчик на весь зал вскричал: «Ну, как же ты не видишь! Это же ящерица!» Он совершенно точно не сумел бы прочесть название, потому что был очень маленький. А картина действительно называлась «Ящерица с золотыми перьями». Удивительно, как ребенок смог увидеть то, что взрослые, может быть, уже закомплексовавшись своим жизненным опытом, не смогли.

Еще одна тема, которая была представлена на выставке - «Цирк». Цирк рассматривался многими художниками как олицетворение нашей жизни, гротеск, в котором клоун, который вроде бы должен веселить детей, порой оказывается злодеем, где животные, которые должны радовать зрителя своими фокусами, а страдают от жестокости. В этом смысле примечательны работы Анри Матисса. Они называются «Джаз», хотя изначально он называл их «Цирк». Но во время работы над декупажами Матисс слушал много джазовых композиций, увлекся этим модным направлением и под впечатлением взял и переименовал всю серию. В этот момент он уже яркий приверженец фовизма. Фовизм – отказ от смешения красок. 

На картинах видим только чистые цвета: желтый – это настоящий желтый, синий – настоящий синий, красный – настоящий красный. Нет теней, только яркие цвета и линии. В работах Матисса невозможно не увидеть великого символиста. Например, работа, которая имеет два названия: «Клоун» и «Кошмар белого слона». Белый, цвет невинности (белый слон), поражается красными линиями, которые его постоянно ранят (зрители, перед которыми он вынужден выступать), желтый (арена тревоги), черные линии (манящие родные джунгли, куда слон всей душой стремится вернуться).

Никогда бы не подумала, что посещение выставки может быть таким интересным – мне как-то раньше не везло с этим. Не верила, что сумею найти в ярких пятнах и линиях, в разноцветных завитушках и темных квадратах какой-то смысл. Оказалось, это возможно - если чуть-чуть знать историю живописи и иметь хорошего гида.

Фото автора